1. INTRODUCCIÓN
En esta publicación, analizaremos parte de la miniserie televisiva dramática estadounidense, Watchmen (2019). Basada en la serie gráfica limitada de DC de 1987 (ideada por Alan Moore y Dave Gibbons) esta serie fue creada por Damon Lindelof para HBO, y su banda sonora compuesta por Trent Reznor y Atticus Ross.
Watchmen (2019) toma lugar en una realidad alternativa, más de tres décadas después de la trama de los cómics. Y donde antaño héroes, los vigilantes quedan ahora bajo prohibición por prácticas violentas. Situándonos en Tulsa, Oklahoma, donde seguimos la vida de Angela Abar, una detective que se mantiene en el anonimato para acabar con el grupo supremacista blanco de la ‘’Séptima Kaballería’’. Así pues, con tonos futuristas, esta miniserie retrata y visibiliza las confrontaciones raciales que llevan teniendo lugar a lo largo de la historia y hasta nuestros días.
En el análisis a continuación profundizaremos en qué significa el sonido y los diferentes recursos narrativos sonoros, como partes clave en el intercambio de información entre los creadores audiovisuales y su audiencia.
Las escenas a analizar las hallamos concretamente dentro de Watchmen (2019) en el capítulo 9, Temporada 1, Titulado ‘’See How They Fly’’, dirigido por Frederick E.O. Toye y escrito por Nick Cuse y Damon Lindelof, cuya fecha de emisión original es del 15 de diciembre de 2019.
En concreto este episodio nos cuenta cómo Lady Trieu, rescatando a Adrian Veidt (su padre) de Europa, quiere que él y Bian (el clon de su madre) estén presentes en la activación de la máquina con la que robará el poder del Dr. Manhattan. Mientras, Joe se prepara para tomar sus poderes al mismo tiempo que Manhattan es capturado por la Séptima Kaballería y el líder de Cyclops. Laurie, disfrazándose de miembro de la Kaballería, descubre que Wade sigue vivo. Trieu consigue teletransportar al centro de Tulsa la configuración justo cuando la Kaballería activa su sistema, matando al líder de Cíclope al descubrir que Joe se ha vuelto loco. Con la distracción, Wade Tillman, Laurie y Veidt son teletransportados por Manhattan a Karnak, antes de que Trieu lo mate. Allí Veidt modifica su sistema de lluvia de calamares que pulverizará el dispositivo de Trieu enviando calamares congelados.
Las distintas secuencias elegidas para realizar el siguiente análisis se encuentran entre el minuto 00:00 y el 10:00.
2. ANÁLISIS DIACRÓNICO Y DESCRIPTIVO
Análisis descriptivo
Para el análisis descriptivo, se ha elegido un fragmento de la escena que se sitúa entre el minuto 05:30 y el 06:12, aproximadamente.
En él, podremos apreciar cómo cada uno de los canales de sonido sirve para cumplir unas funciones concretas y presenta características diferentes.
Por lo tanto, en nuestro caso, la escena comienza con Lady Trieu golpeando una puerta. Este sonido de acción se recoge en el canal central, ya que éste, es el encargado de contener tanto los diálogos como los sonidos de acción directos. A su vez, podemos apreciar que este sonido de golpeo de la puerta, está acompañado por el canal de los graves, pero en frecuencias mucho más bajas. Esto se utiliza con el fin de agrandar el sonido, ya que el canal de graves provoca una sensación de expansión y profundidad mucho mayor.
En cuanto al canal estéreo, podemos percibir que recoge el sonido ambiente de la escena (a través de dos canales: el izquierdo y el derecho). En este caso, destaca, sobre todo, la presencia del viento. Por otra parte, aunque en este caso no contamos con música, éste es el canal que, habitualmente, se destina para incluirla.
A continuación, volvemos al canal superior, es decir, el central, y vemos que es el único que recoge los diálogos, como avanzamos anteriormente.
Por último, se incluye un fragmento del canal surround, el cual contiene el sonido ambiente, también en estéreo, pero con un volumen más bajo y una reverberación que es capaz de envolver y generar un poco más de atmósfera en la escena.
Análisis diacrónico
En cuanto al análisis diacrónico, escogimos un fragmento situado entre el minuto 00:48 y el 01:54.
Lo más significativo de dicho fragmento es la evolución que experimenta la música a medida que avanza y, por lo tanto, como su significado varía y es capaz de expresar emociones distintas.
Para comenzar, lo primero que se aprecia es el diálogo principal que, en este caso, es una voz con bastante fuerza y direccionalidad, ya que se trata de Adrian Veidt hablando a cámara (ver número 1 en el esquema del análisis diacrónico).
Poco después, sobre el segundo 14 de vídeo, apreciamos un leve cambio de auricularización en la voz, pasando a ser una voz un poco más filtrada y débil (número 3 en el esquema). Esto concuerda con la imagen, ya que comenzamos a ver a trabajadores del lugar, en especial a Lady Trieu, y, probablemente, ellos estén escuchando la voz de Veidt a través de algún medio de reproducción de sonido, por lo que el espectador pasa a situarse en el espacio acústico de estos nuevos personajes y, por ello, se escucha la voz con ese filtrado.
A su vez, desde el comienzo del fragmento, de fondo, se escucha una música preexistente extradiegética (Les contes d’Hoffmann de Jacques Offenbach) a un volumen muy bajo (2). Su potencia aumenta, levemente, cuando Lady Trieu aparece por primera vez en pantalla con el carrito de la limpieza. En este momento, la música provoca que el espectador comience a prestar mayor atención a ella y a sus movimientos que al diálogo principal.
Poco más tarde, cuando ella entra en la sala, la música aumenta de volumen notablemente y se transforma en el sonido principal de la secuencia (4), únicamente acompañada de sonido diegético de la escena (5). Este cambio evidencia que, ahora, la importancia y el punto de mira está puesto en Lady Trieu por completo.
Por lo tanto, en resumen, en este fragmento podemos apreciar dos evoluciones marcadas en relación con el sonido. Por una parte, la pérdida de solidez en la voz de Adrian (en cuanto Lady Trieu aparece en pantalla) y, por otra, la transformación de la música, la cual comienza siendo un sutil elemento de acompañamiento y, poco más tarde (tras cerrar la puerta), pasa a ser uno de los elementos principales de la secuencia.
3. ANÁLISIS POR MODIFICACIÓN (MIDI)
Para esta sección se utilizará un fragmento que engloba desde el minuto 7:00 hasta el 7:20. Originalmente dicho extracto no tiene música por lo que al incorporar música y hacer distintas variaciones podremos observar cómo cambia la percepción general de la escena. En total se han realizado un total de 4 variaciones, las cuales serán presentadas y analizadas a continuación:
Para nuestro primer ejemplo, en la escena original (sin música) se ha integrado una composición orquestal interpretada por violonchelos (Desire E Cellos en el software Logic Pro), la cual presenta un tempo de 120 bpm. Con respecto a la escena base, la integración de violonchelos potencia la sensación de intriga y expectación que experimenta Lady Trieu al visualizar una invención futurista desconocida para ella presente en la estancia. Como se puede apreciar, la primera nota de la composición es tocada justo en el momento en el que nuestra protagonista hace un rápido movimiento de sus manos, de esta forma, es una señal para el espectador de que algo está sucediendo o está por suceder.
Por otra parte, la elección del violonchelo como instrumento no se trata de algo arbitrario sino que una de sus características principales es su capacidad para alcanzar notas más graves con respecto a otros instrumentos de cuerda. Este sonido profundo y grave tan peculiar consideramos que es el adecuado para acompañar a la emoción que busca conseguir la escena.
En este caso, la velocidad de ataque o también conocida como intensidad de las notas ha sufrido una variación desde un valor de 102 a 71. Como hemos mencionado anteriormente, en la versión 1 se manifestaba una sensación de intriga lograda gracias a la consecución de sonidos fuertes y potentes de cuerda. Por otra parte, en esta segunda versión aunque el misterio sigue patente, quizás nos adentramos en un ambiente de una seriedad menor, y esto es debido a la elección de unos sonidos más suaves y menos profundos.
A partir de la versión 1, se ha modificado el tempo de 120 bpm a 90. Se trata de una disminución del tempo considerable por lo que los cambios ocasionados en la música, y por tanto, en la percepción general de la escena son bastante notables. Resulta notorio que al reducir la velocidad de ejecución de la composición le damos un mayor protagonismo a cada una de las notas, de este modo, podemos decir que la sensación de misterio ya presente en la versión 1 se ve acentuada.
Para esta cuarta y última versión que presentamos, es donde indudablemente se hacen más perceptibles las variaciones, ya que el instrumento que protagonizaba la versión 1 (violonchelo) ha sido modificado por unos tambores. De esta forma, no se trata de un cambio menor sino que se ha escogido un instrumento perteneciente a otra de las grandes familias de instrumentos, en este caso la percusión (frente a un instrumento de cuerda como es el violonchelo). Por tanto, el simple hecho de variar de una familia de instrumentos a otra implica una inevitable cantidad de transformaciones en el tono general de la escena.
Los tambores que ahora interpretan la composición (localizados en “drums and percussion” dentro del subapartado “asian kit” en el software Logic Pro) otorgan a la escena un aire exótico y oriental. Por otra parte, Lady Trieu en la ficción es un personaje procedente de Vietnam y además existen rasgos orientales visibles en su rostro. De esta forma, la incorporación de esta composición musical de ambiente oriental podría entenderse como un suceso que evoca recuerdos de su tierra o incluso de su infancia.
4. ANÁLISIS POR MODIFICACIÓN TEMPORAL
En este apartado, a partir de una escena diferente a la anterior del mismo capítulo 9, procedemos a alterar los momentos de entrada y salida de la banda sonora original.
Concretamente, del minuto 0:00 al 1:38, observaremos cómo los cambios de modificación temporal afectan a la experiencia del espectador y cómo éste percibirá diferentes versiones de una misma escena.
Podemos dividir nuestro último análisis en cuatro partes donde diseccionamos cuatro versiones del vídeo: sin alterar su sonido original; carente de música; con música modificada cambiando el inicio y final de la música (cinematográfica); con otra estructura y música modificada que podría sonar dentro de la escena (preexistente).
Vídeo original
Si observamos la escena con la música original, obtenemos una visión integral de los personajes y la naturaleza de sus acciones. La canción que acompaña al discurso de Veidt le aporta un aire dramático y exagerado, haciéndolo cómico y dejándonos entrever el carácter del personaje.
La pieza musical en cuestión «Act 2: Belle Nuit: Ô Nuit D’amour» (de Dame Joan Sutherland, Huguette Tourangeau, Plácido Domingo, Andre Neury, Pro Arte Choir, Lausanne, Choeur du Brassus, Choeur de la Radio Suisse Romande, L’Orchestre de la Suisse Romande, Richard Bonynge, Jacques Offenbach) es el número más famoso de la ópera «Les Contes d’ Hoffmannes«. También llamada la «Barcarolle» y escrita por Offenbach, ha sido empleada en múltiples películas como La vida es bella y Titanic, siendo además la melodía empleada por Elvis Presley para interpretar la canción «Tonight Is So Right For Love» en el largometraje «G.I.Blues» (1960).
Al no ser música monótona, el contraste de notas suaves y prolongadas con acentos más fuertes auspicia un acontecimiento o acción inminente que reclama nuestra atención, advirtiendo al espectador de un suceso narrativo importante. Anticipando a su vez la entrada en escena del personaje que desencadenará el conflicto, observamos que la música escogida (en este caso preexistente) no solo acompaña la trama correctamente sino que, al igual que el discurso de Veidt, supone un hilo conductor entre planos.
Siguiendo esta retórica somos capaces de analizar cómo se han empleado cambios de volumen e intensidad como herramienta narrativa.
Observamos que la pieza musical va avanzando casi pareja a cómo avanza Lady Trieu a través del espacio de la escena, volviéndose la música más alta e intensa hasta llegar al punto narrativo que presagiaba al espectador en que vemos a Lady Trieu cerrar las puertas del despacho donde actuará a escondidas. Percibiendo como consecuencia de esa acción otro cambio en el sonido: que al cerrar las puertas cese el discurso de Veidt y todo ruido del espacio contiguo. Tan solo oímos la música que va ligada a las imágenes de sus acciones, dirigiendo toda nuestra atención a ella y el nudo narrativo que vemos tomando forma.
Vídeo sin música
Previo a modificar la música original, es necesario escuchar y diseccionar el fragmento sin música alguna.
Podemos ver como la escena pierde su sentido rítmico y contexto casi por completo. Empezando por el ritmo, sin música nuestra percepción de su duración se ha visto alterada para peor, pareciendo más dilatada en el tiempo, cuando en el vídeo original su duración no llamaba la atención.
A pesar de que los silencios pueden aportar mucho valor a las acciones y emociones en el mundo audiovisual, también lo tienen la voz, el sonido y la música, y el equilibrio de todos ellos nos ayudan constantemente a unir sucesos y que la narrativa parezca fluida.
Al ser las acciones de este fragmento aislado bastante cotidianas y transcurrir sin conflictos, sin música el espectador no sabe cómo sentirse al respecto de los personajes. Ya que visualmente no se transmite una anticipación narrativa de los hechos a excepción del zoom a Lady Trieu y su mirada al cerrar las puertas, sin más rasgos de personalidad visibles en su apariencia y comportamiento, desaparece cualquier sensación de que el personaje que van a introducir en la escena no sea de fiar o pueda presentar una inminente amenaza.
También se resalta el peso atencional del sonido para señalar personajes sin diálogo, y su utilidad como nexo entre planos. Viendo esto evidenciado en el contraste entre el personaje de Adrian Veidt, que sin un solo primer plano frontal, tiene nuestra atención con y sin la música original del vídeo al tener diálogo propio casi sin interrupción. Mientras que el personaje de Lady Trieu, que si tiene primeros planos (pero no cuenta con diálogo), sin música que la acompañe pierde nuestra atención o se hace monótono en aquellos planos en que no esté sola y haya más personas y acciones teniendo lugar.
De la misma forma en que visualmente se emplean los close-ups y otras herramientas de imagen para que el espectador organice internamente una jerarquía adecuada en la importancia de cada acción narrativa, analizando un fragmento ausente de música identificamos mejor lo necesaria que es ésta. Tanto como recurso para discernir la importancia y carácter de los personajes en la trama, como para ayudar en la manufacturación de una atmósfera de emociones acorde a la situación que está presenciando la audiencia.
Escena con modificación temporal: cambio del inicio y fin de la música (cinematográfica)
En esta primera versión modificada del vídeo realizamos no solo un cambio en el inicio de la música si no en cuál es la música empleada.
Seleccionamos otra música de una escena diferente del capítulo 9, buscando ciertos contrastes con la música original.
A pesar de ser también una pieza musical con acentos y que estilísticamente transmite algún tipo de presagio a la audiencia, encontramos la primera diferencia en que ésta tiene un tempo más rápido y constante, transmitiéndonos mayor urgencia.
Segundamente hay una contraposición de géneros: ahora escuchamos sintetizadores propios de la música electrónica, siendo la música original una pieza de ópera clásica orquestal.
Hemos querido acompañar los elementos de ciencia ficción que caracterizan la serie y el monólogo que recita Veidt (sobre alteraciones espacio temporales) con una música que ayude a evocar lo digital y futurista del escenario y contexto.
Se ha alterado también el momento de inicio y fin de la música, decidiendo que en lugar de ir paralela a la escena desde el primer segundo y ligada al discurso de Veidt, comience segundos antes de aparecer Lady Trieu. Creando así una anticipación narrativa que acompaña y resalta a este personaje en exclusiva que, de lo contrario y como analizamos previamente, correría el riesgo de perder nuestra atención en la escena.
Al comenzar además de forma abrupta, es más inesperado para el espectador. Esta alteración temporal provoca la impresión de mayor tensión al aparecer el segundo personaje, amplificando la sensación de un mal presagio.
Por otro lado, el final de la música se cambia para que termine con el raccord de movimiento de Lady Trieu cerrando las puertas del despacho. Este momento acompañado de su música original era antes el punto de mayor tensión y presagio de la escena y hemos alterado así la visión del espectador de cuál es el momento álgido de tensión en la escena. Observamos que al cesar la música de forma abrupta, tal como comenzó, da una falsa sensación de que parte del conflicto ya haya terminado, o el peligro haya pasado, cuando irónicamente, es ella quien está a punto de detonarlo.
Escena con modificación temporal: cambio de estructura y música (preexistente)
En este último vídeo probamos a sustituir el inicio de la música por otro género diferente en su totalidad. Al ser música a capella de estilo navideño, la escena que vemos y el espacio en que se desarrollan cobran ahora ahora un aire más relajado, otorgando a las palabras de Veidt sensación de cercanía y honestidad, casi de ternura.
Ahora podemos observar que el ritmo de la escena es más lento desde el principio, aumentando paulatinamente la intriga en el espectador y poniendo de nuevo parte de nuestra atención a Veidt y su discurso, sin por ello quitársela a la entrada de Lady Trieu y lo crucial que son sus acciones para el desarrollo de la trama.
La segunda modificación temporal realizada es una interrupción de la música durante el monólogo de Veidt.
En la escena original, cuando uno de los operarios de cámara tose, vemos interrumpido el hilo del discurso, y, al verse el personaje frustrado por la interrupción, decide pausar la grabación y realizar otra toma, mientras la música continúa sin alteración.
A pesar de no tener este momento mayor relevancia en la trama hemos querido destacar el cambio de atmósfera en la escena cuando esto sucede, pues le quita tensión a escena y vemos al personaje de forma más humana y menos siniestra a pesar de su discurso calculado y frío. Para ello cortamos la música en el segundo en que se oye la tos, sirviendo una doble funcionalidad: la pausa ahora adquiere un cariz cómico e inesperado, más informal; la música acompaña ahora el hilo de pensamiento y acciones de Veidt, dando a entender que por eso se cortan paralelamente discurso y música ante la distracción.
Habría ligada a esto, una tercera función narrativa en la alteración del final de la música. Terminando ahora ésta al cerrar las puertas Lady Trieu, dirigimos la atención del espectador a que lo que sucederá a continuación sí es clave para la trama. Y al verla actuar sin ningún tipo de música (que ahora representa al hilo de pensamiento de Veidt), la vemos actuar también a espaldas de Veidt, recalcando lo ajeno que es él a la situación.
Los dos finales de música son abruptos para que el contraste sea mayor, sin embargo, se han añadido fundidos en los inicios de ambos fragmentos musicales para introducir al espectador suavemente en la percepción psicológica deseada.
5. CONCLUSIÓN
A lo largo de los análisis realizados en esta publicación hemos visto cómo se estructuran en diferentes canales los elementos que componen la banda sonora del capítulo final de una serie de renombre como Watchmen (2019). Se ha hecho hincapié en la evolución que tienen estos elementos sonoros en los fragmentos seleccionados, y además se ha tratado de remarcar cómo pequeñas variaciones (sobre todo en la música) pueden provocar grandes cambios sobre la percepción general de una escena. De esta forma, se hace evidente la importancia de mantener un tratamiento adecuado del sonido como parte indispensable de cualquier producto audiovisual.